Hinweis: In der Prüfung erhältst du zwei Aufgaben, von denen du dir eine aussuchen und bearbeiten darfst.

I. Gegenstand der Aufgabe

Paul Cézanne (1839–1906)

Öl auf Leinwand, 73,7 x 96,6 cm
National Gallery of Art, Washington DC

Caspar David Friedrich (1774–1840)

Öl auf Leinwand, 35 x 49 cm
Alte Nationalgalerie, Berlin

II. Arbeitsauftrag

1.

Beschreibe und analysiere das Bild von Paul Cézanne.

2.

Interpretiere Cézannes „Chateau Noir“ in Hinblick auf das Verhältnis von Abbild und Idee. Ziehe vergleichend das Gemälde „Klosterruine Eldena“ von Friedrich hinzu.

III. Bewertung

Die Aufgabe stellt eine Gesamtheit dar und wird mit maximal 15 NP bewertet.

IV. Hinweise zur Bearbeitung der Aufgabe

• Formuliere deine Ausführungen in einem zusammenhängenden Text.

• Achte auf Gliederung und sprachlich angemessene Form.

• Belege deine Aussagen anhand der Abbildungen.

• Für die Beurteilung ist die Reinschrift maßgeblich.

Abbildungen zu Aufgabe II

Abb. 1: Paul Cézanne, Château Noir, 1900–1904

Abb. 2: Caspar David Friedrich, Klosterruine Eldena bei Greifswald, 1824/25

Abbildungsnachweis

Abb. 1: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2e/Ch%C3%A2teau_noir%2C_par_Paul_C%C3%A9zanne%2C_National_Gallery_of_Art.jpg; Zugriff am: 15.09.2025

Abb. 2: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fc/Klosterruine_Eldena_bei_Greifswald_%281824%29_-_Caspar_David_Friedrich_%28Alte_Nationalgalerie%2C_Berlin%29.jpg; Zugriff am: 15.09.2025

1. Beschreibung und Analyse von Paul Cézannes Château Noir

Einleitung

Das Gemälde Château Noir entstand zwischen 1900 und 1904 und gehört zum Spätwerk Paul Cézannes. Es handelt sich um ein Ölgemälde auf Leinwand, das das südfranzösische Landhaus Château Noir bei Aix-en-Provence zeigt – einen Ort, den Cézanne über viele Jahre hinweg immer wieder malte. Das Bild steht exemplarisch für seine künstlerische Entwicklung: Nicht mehr die möglichst naturgetreue Wiedergabe der sichtbaren Wirklichkeit steht im Mittelpunkt, sondern die Übersetzung des individuellen Seheindrucks in eine eigenständige malerische Ordnung. Damit wird das Werk zu einem Schlüsselbild auf dem Weg von der gegenständlichen Malerei zur Moderne.

Beschreibung

Das querformatige Gemälde zeigt eine dicht bewachsene Landschaft. Den Vordergrund bestimmen mächtige Baumstämme, kräftige Äste und dichtes Blattwerk. Die Vegetation nimmt einen Großteil der Bildfläche ein und bildet beinahe eine natürliche Barriere zwischen Betrachter und Landschaft.

Zwischen den Baumstämmen öffnet sich der Blick auf das Château Noir. Das Gebäude liegt leicht rechts der Bildmitte und wird teilweise von den Bäumen verdeckt. Sichtbar sind vor allem die hellen Fassaden und das rötlich-braune Dach. Das Schloss erscheint nicht als dominierendes Hauptmotiv, sondern als Bestandteil der umgebenden Natur.

Links steigt das Gelände leicht an und wird von Baumgruppen und Felsen begrenzt. Rechts setzen sich Vegetation und Felsformationen fort. Nur an wenigen Stellen öffnet sich die Baumkrone und gibt den Blick auf den hellblauen Himmel frei.

Der erste Eindruck ist geprägt von einer außerordentlichen Dichte der Landschaft. Die Natur wirkt nicht geordnet oder übersichtlich, sondern verwachsen, lebendig und beinahe undurchdringlich. Das Gebäude scheint von der Vegetation umschlossen und nahezu vereinnahmt zu werden.

Analyse

Komposition und Bildaufbau

Die Komposition beruht auf einem komplexen Zusammenspiel vertikaler, horizontaler und diagonaler Richtungen.

Besonders auffällig sind die kräftigen Baumstämme, die das Bild vertikal strukturieren. Sie erinnern beinahe an Säulen und verleihen der Komposition Stabilität. Gleichzeitig durchbrechen zahlreiche schräg verlaufende Äste diese Ruhe. Dadurch entsteht ein spannungsreicher Wechsel zwischen Ordnung und Bewegung.

Die Baumstämme gliedern die Bildfläche wie ein Raster. Gleichzeitig verhindern sie einen unmittelbaren Blick auf das Gebäude. Der Betrachter muss sich das Château gewissermaßen „erschließen“, indem sein Blick zwischen den Baumstämmen hindurchwandert. Dadurch wird das Sehen selbst zum aktiven Prozess.

Das Château Noir befindet sich zwar annähernd im Zentrum des Bildes, dominiert die Komposition jedoch nicht. Vielmehr ist es vollständig in das Netz aus Baumstämmen, Ästen und Farbflächen eingebunden. Dadurch entsteht der Eindruck, dass Architektur und Natur gleichwertige Bestandteile einer gemeinsamen Bildstruktur sind.

Die Komposition wirkt insgesamt geschlossen. Die zahlreichen Bäume begrenzen den Bildraum nach allen Seiten. Es existiert kein freier Horizont, der den Blick in die Ferne lenken könnte. Stattdessen konzentriert sich die gesamte Bildspannung auf das dichte Geflecht der Landschaft.

Linienführung

Die Linienführung ist ausgesprochen vielschichtig.

Vertikale Baumstämme vermitteln Ruhe, Standfestigkeit und Dauerhaftigkeit. Ihnen stehen zahlreiche diagonale Äste gegenüber, die Dynamik erzeugen und den Blick immer wieder umlenken.

Diese Diagonalen führen nicht eindeutig auf einen Fluchtpunkt zu. Stattdessen entsteht ein Netz aus Blickrichtungen, das den Betrachter über die gesamte Bildfläche wandern lässt. Dadurch verliert das Bild einen eindeutigen Schwerpunkt.

Diese gleichmäßige Verteilung der Aufmerksamkeit ist typisch für Cézannes Spätwerk. Nicht einzelne Motive sollen hervorgehoben werden; vielmehr besitzt jeder Bildbereich eine ähnliche Bedeutung innerhalb des Gesamtgefüges.

Form

Die Formen entstehen weniger durch klare Konturen als durch das Nebeneinander unterschiedlich gefärbter Flächen.

Die Baumkronen wirken nicht detailliert ausgearbeitet. Vielmehr setzen sie sich aus zahlreichen kleinen Farbflächen zusammen. Auch die Architektur wird nur angedeutet. Fenster, Dach und Fassaden erscheinen vereinfacht und teilweise auf geometrische Grundformen reduziert.

Dadurch verlieren die Gegenstände ihre detailreiche Individualität. Sie werden Bestandteil einer allgemeinen Ordnung aus Flächen, Farben und Richtungen.

Gerade hierin zeigt sich Cézannes neues Verständnis von Malerei: Nicht der Gegenstand selbst besitzt Vorrang, sondern seine Einbindung in die Gesamtstruktur des Bildes.

Schwerpunkt und Blickführung

Obwohl das Château den hellsten Bereich des Gemäldes bildet, fällt der Blick des Betrachters nicht sofort auf das Gebäude.

Zunächst wird das Auge von den dunklen Baumstämmen aufgefangen. Anschließend wandert der Blick entlang der schrägen Äste in den Mittelgrund, wo schließlich das Schloss sichtbar wird. Von dort aus führen weitere Baumformen wieder in die umgebende Landschaft zurück.

Es entsteht somit keine lineare Blickbewegung, sondern ein kreisender Sehprozess. Der Betrachter verweilt nicht an einem einzigen Punkt, sondern erschließt sich das Bild nach und nach.

Gerade diese verlangsamte Wahrnehmung entspricht Cézannes künstlerischer Absicht. Das Gemälde soll nicht auf einen Blick verstanden werden, sondern fordert ein intensives, wiederholtes Betrachten.

Farbe

Ein zentrales Gestaltungsmittel des Gemäldes ist die Farbe. Anders als in der traditionellen Landschaftsmalerei dient sie nicht ausschließlich der naturgetreuen Wiedergabe der Gegenstände, sondern übernimmt selbst eine strukturierende Funktion innerhalb der Bildkomposition.

Die Farbpalette wird von differenzierten Grün-, Blau- und Türkistönen bestimmt, die durch warme Ocker-, Gelb-, Orange- und Rotbrauntöne ergänzt werden. Besonders das Château hebt sich mit seinen warmen Gelb- und Ockerfarben deutlich von der kühleren Vegetation ab. Dadurch entsteht ein ausgeprägter Kalt-Warm-Kontrast, der den Blick des Betrachters auf das Gebäude lenkt, ohne dieses vollständig aus der Landschaft herauszulösen.

Auffällig ist außerdem, dass Cézanne weitgehend auf reine Lokalfarben verzichtet. Die Baumstämme bestehen nicht ausschließlich aus Braun, sondern enthalten Blau-, Grün-, Violett- und Grautöne. Ebenso erscheinen die Blätter nicht in einem einheitlichen Grün, sondern setzen sich aus zahlreichen Farbnuancen zusammen. Dadurch vermittelt Cézanne nicht nur die Eigenfarbe der Gegenstände, sondern gleichzeitig deren Wirkung unter wechselnden Lichtverhältnissen. Farbe wird somit zum Ausdruck des Sehens selbst.

Besonders charakteristisch ist die Farbmodulation. Helle und dunkle Farbtöne gehen ohne scharfe Übergänge ineinander über. Formen entstehen nicht durch deutliche Umrisslinien oder Hell-Dunkel-Modellierung, sondern durch das Nebeneinander unterschiedlich gefärbter Farbflächen. Die Farbe übernimmt damit die Funktion, Volumen und Plastizität entstehen zu lassen.

Darüber hinaus verzichtet Cézanne nahezu vollständig auf die Verwendung eines tiefen Schwarz. Schatten werden stattdessen durch kühlere Blau-, Grün- oder Violetttöne erzeugt. Dadurch bleibt das gesamte Bild farbig durchdrungen und erhält eine größere Leuchtkraft. Die Landschaft wirkt nicht dunkel oder schwer, sondern lebendig und atmosphärisch.

Die Farbe besitzt somit eine doppelte Funktion: Sie beschreibt einerseits die sichtbare Natur, konstruiert andererseits aber gleichzeitig Form, Raum und Komposition. Genau hierin liegt eine wesentliche Neuerung von Cézannes Malerei.

Licht

Auch die Lichtgestaltung unterscheidet sich deutlich von älteren Landschaftsdarstellungen.

Es existiert keine eindeutig erkennbare Lichtquelle. Zwar lassen sich hellere und dunklere Bildbereiche unterscheiden, doch entstehen diese weniger durch gerichtetes Sonnenlicht als vielmehr durch die Farbgestaltung selbst.

Das Licht scheint aus den Farbflächen heraus zu entstehen. Vor allem die gelb- und ockerfarbenen Partien des Château wirken, als würden sie von innen heraus leuchten. Ebenso erzeugen zahlreiche helle Grün- und Blautöne eine flimmernde Lichtwirkung innerhalb der Baumkronen.

Schatten dienen nicht mehr dazu, Körper plastisch zu modellieren. Vielmehr werden sie durch kühle Farbwerte angedeutet. Dadurch verliert das Licht seine traditionelle Aufgabe als Mittel der Illusion und wird Bestandteil der gesamten Farbkomposition.

Diese Lichtauffassung trägt wesentlich dazu bei, dass das Bild weniger wie ein Ausschnitt der Wirklichkeit wirkt als vielmehr wie eine eigenständige malerische Konstruktion.

Malweise

Charakteristisch für Cézannes Spätwerk ist seine offene und deutlich sichtbare Malweise.

Die Farbe wird in kurzen, nebeneinandergesetzten Pinselstrichen aufgetragen. Diese sogenannten Taches bleiben als einzelne Farbflächen sichtbar und verschmelzen erst aus größerer Betrachtungsdistanz zu geschlossenen Formen.

Die einzelnen Pinselstriche folgen dabei nicht konsequent den Umrissen der dargestellten Gegenstände. Vielmehr besitzen sie eine eigene Richtung und Dynamik. Manche verlaufen waagrecht, andere senkrecht oder diagonal. Dadurch entsteht innerhalb der gesamten Bildfläche ein rhythmisches Geflecht kleiner Farbflächen.

Diese rhythmische Struktur verleiht der Landschaft eine große Lebendigkeit. Obwohl das Motiv statisch ist, entsteht der Eindruck ständiger Bewegung. Die Vegetation scheint zu wachsen, zu flimmern und sich im Licht zu verändern.

Gleichzeitig verzichtet Cézanne auf fein ausgearbeitete Details. Einzelne Blätter oder Steine werden nicht naturgetreu wiedergegeben. Vielmehr reduziert der Künstler sämtliche Formen auf grundlegende Farb- und Flächenzusammenhänge. Dadurch gewinnt die Malerei selbst gegenüber der bloßen Gegenstandsdarstellung an Eigenständigkeit.

Raumdarstellung

Die Räumlichkeit entsteht bei Cézanne nicht mehr ausschließlich durch die Zentralperspektive.

Zwar erzeugen Überlagerungen der Baumstämme sowie Größenunterschiede zwischen Vorder- und Hintergrund einen Tiefeneindruck, dennoch bleibt der Bildraum ungewöhnlich flach.

Die zahlreichen Taches verbinden Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund miteinander. Dadurch verschmelzen die einzelnen Raumebenen teilweise zu einer gemeinsamen Bildfläche. Der Betrachter nimmt gleichzeitig Tiefe und Flächigkeit wahr.

Hinzu kommt die Farbperspektive. Die kühleren Blau- und Grüntöne treten optisch zurück, während warme Gelb- und Ockertöne näher erscheinen. Cézanne nutzt dieses Prinzip jedoch nicht konsequent illusionistisch. Stattdessen entsteht ein Spannungsverhältnis zwischen räumlicher Wirkung und Betonung der Bildfläche.

Gerade diese Ambivalenz gehört zu den wichtigsten Merkmalen seines Spätwerks. Das Gemälde vermittelt zwar Räumlichkeit, erinnert den Betrachter aber gleichzeitig daran, dass es sich um eine bemalte Leinwand handelt.

Form und Bildautonomie

Die Gegenstände verlieren zunehmend ihre Eigenständigkeit.

Bäume, Felsen und Architektur erscheinen nicht mehr als klar voneinander getrennte Objekte. Vielmehr gehen sie durch Farbe, Richtung und Form ineinander über.

Das Château wird dadurch nicht mehr als isoliertes Bauwerk wahrgenommen, sondern als Bestandteil einer übergeordneten Landschaftsstruktur.

Diese Gleichwertigkeit aller Bildbereiche führt zu einer hohen Bildautonomie. Das Gemälde folgt nicht mehr ausschließlich den Gesetzmäßigkeiten der Natur, sondern entwickelt eigene kompositorische Regeln. Farbe, Form und Rhythmus werden wichtiger als die exakte Wiedergabe der Wirklichkeit.

Gerade hierin liegt Cézannes entscheidender Beitrag zur Entwicklung der modernen Malerei. Die sichtbare Welt bleibt zwar Ausgangspunkt des Bildes, wird jedoch in eine eigenständige malerische Ordnung überführt.

2. Interpretation des Verhältnisses von Abbild und Idee unter vergleichender Einbeziehung von Caspar David Friedrich

Das Verhältnis von Abbild und Idee bei Paul Cézanne

Obwohl Château Noir ein tatsächlich existierendes Gebäude in der Provence zeigt, verfolgt Cézanne nicht das Ziel einer möglichst naturgetreuen Wiedergabe der Wirklichkeit. Das Gemälde ist zwar eindeutig gegenständlich, doch die sichtbare Landschaft dient lediglich als Ausgangspunkt einer eigenständigen malerischen Auseinandersetzung. Der Künstler interessiert sich weniger für das einzelne Gebäude als vielmehr für die grundlegenden Beziehungen zwischen Farbe, Form, Raum und Wahrnehmung.

Dies wird bereits in der Komposition deutlich. Das Château nimmt keine dominierende Stellung ein, sondern ist eng in das Geflecht aus Bäumen, Felsen und Vegetation eingebunden. Architektur und Natur stehen gleichberechtigt nebeneinander. Das Gebäude erscheint beinahe mit der Landschaft zu verschmelzen. Dadurch verliert es seine Funktion als architektonisches Einzelmotiv und wird Teil einer umfassenden Bildordnung.

Auch die Farbgestaltung verdeutlicht dieses Verständnis von Malerei. Die Farben orientieren sich zwar grundsätzlich an der Natur, werden jedoch nicht ausschließlich nach der Eigenfarbe der Gegenstände gewählt. Vielmehr berücksichtigt Cézanne die Wirkung des Lichts, der Atmosphäre und seines persönlichen Seheindrucks. Die Farbe dient somit nicht allein der Beschreibung, sondern konstruiert Formen, Raum und Volumen. Das Bild entwickelt dadurch eine eigene innere Logik, die nicht mehr vollständig von der sichtbaren Wirklichkeit abhängig ist.

Diese Arbeitsweise entspricht Cézannes berühmter Vorstellung einer „Harmonie parallel zur Natur“. Damit meint er nicht die exakte Nachahmung der Natur, sondern die Schaffung eines eigenständigen Kunstwerks, das nach eigenen bildnerischen Gesetzen aufgebaut ist. Die Natur bleibt Ausgangspunkt des Malprozesses, doch sie wird durch den Künstler geordnet, verdichtet und in eine neue malerische Wirklichkeit überführt.

Der eigentliche Bildgegenstand ist deshalb nicht das Château selbst, sondern der Prozess des Sehens. Cézanne untersucht, wie sich räumliche Tiefe, Licht und Form allein durch Farbe erfassen lassen. Der Betrachter soll nicht nur erkennen, was dargestellt wird, sondern vor allem wie sich Wirklichkeit im Wahrnehmungsprozess verändert. Das Gemälde macht somit sichtbar, dass Sehen kein objektiver Vorgang ist, sondern immer von der individuellen Wahrnehmung geprägt wird.

Zugleich besitzt das Werk eine bemerkenswerte Zeitlosigkeit. Während viele Landschaftsgemälde des 19. Jahrhunderts erzählerische oder historische Inhalte vermitteln, verzichtet Cézanne bewusst auf eine Handlung oder symbolische Aussage. Menschen fehlen vollständig. Auch Hinweise auf ein bestimmtes Ereignis oder eine bestimmte Tageszeit sind kaum vorhanden. Dadurch richtet sich die Aufmerksamkeit ausschließlich auf die bildnerischen Mittel und ihre Wirkung.

Das Verhältnis von Abbild und Idee verschiebt sich somit grundlegend. Das Abbild dient nicht mehr dazu, eine Geschichte zu erzählen oder eine symbolische Botschaft zu vermitteln. Stattdessen wird es zum Ausgangspunkt einer Reflexion über Malerei selbst. Die eigentliche Idee des Werkes besteht darin, die sichtbare Natur in eine autonome Bildwirklichkeit zu überführen, deren Ordnung aus Farbe, Form und Komposition entsteht.

Vergleich mit Caspar David Friedrich: Klosterruine Eldena bei Greifswald

Auch Caspar David Friedrich wählt mit der Klosterruine Eldena ein reales Motiv. Anders als Cézanne verfolgt er jedoch nicht in erster Linie eine malerische Fragestellung, sondern eine geistige und symbolische Aussage.

Bereits die Komposition verdeutlicht diesen Unterschied. Friedrich ordnet sämtliche Bildbestandteile der Ruine unter. Die Architektur bildet den Mittelpunkt des Bildes und wird von den umgebenden Bäumen gerahmt. Die Blickführung lenkt den Betrachter gezielt auf das Bauwerk. Cézanne hingegen verzichtet auf eine derart hierarchische Ordnung. Sein Château erscheint nicht als dominierendes Zentrum, sondern als Bestandteil der gesamten Landschaft.

Auch die Auffassung von Natur unterscheidet sich grundlegend. Für Friedrich besitzt die Natur eine religiöse und existenzielle Dimension. Die Ruine verweist auf die Vergänglichkeit menschlicher Werke, während die sie überwuchernde Natur für Erneuerung, Hoffnung und die schöpferische Kraft Gottes steht. Die Landschaft erhält dadurch eine symbolische Bedeutung, die über das Sichtbare hinausweist.

Bei Cézanne dagegen trägt die Landschaft keine eindeutig lesbare Symbolik. Das Château verweist nicht auf geschichtliche Ereignisse oder religiöse Vorstellungen. Seine Bedeutung entsteht vielmehr aus seiner Einbindung in die malerische Gesamtstruktur. Farbe, Form und Rhythmus werden selbst zum Inhalt des Bildes.

Auch die Malweise verdeutlicht diesen Gegensatz. Friedrich arbeitet mit einer glatten Oberfläche und feinen Übergängen. Einzelne Details werden präzise ausgeführt. Licht und Schatten modellieren die Gegenstände plastisch und schaffen einen überzeugenden illusionistischen Raum.

Cézanne dagegen lässt die einzelnen Pinselstriche bewusst sichtbar. Die Taches verleihen dem Bild eine offene Struktur. Formen entstehen erst aus dem Zusammenwirken der Farbflächen. Der Betrachter wird dadurch ständig daran erinnert, dass er ein Gemälde betrachtet und nicht die Natur selbst.

Die Raumauffassung unterscheidet sich ebenfalls deutlich. Friedrich nutzt die Zentralperspektive, Staffelungen und einen klaren Horizont, um einen tiefen Landschaftsraum entstehen zu lassen. Der Blick kann ungehindert in die Ferne schweifen.

Cézanne erzeugt zwar ebenfalls Räumlichkeit, verbindet diese jedoch mit einer starken Betonung der Bildfläche. Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund greifen ineinander, sodass Tiefe und Flächigkeit gleichzeitig wahrgenommen werden. Dadurch löst sich das Bild teilweise von der illusionistischen Tradition.

Ein weiterer Unterschied betrifft das Verhältnis zwischen Künstler und Natur. Friedrich versteht sich als Vermittler einer geistigen Wahrheit. Die Landschaft wird zum Sinnbild einer höheren Ordnung. Cézanne dagegen sucht keine religiöse Wahrheit, sondern eine bildnerische Wahrheit. Seine Idee liegt in der Erforschung der Wahrnehmung und der Gesetzmäßigkeiten der Malerei.

Trotz dieser Unterschiede bestehen auch Gemeinsamkeiten. Beide Künstler gehen über eine rein naturgetreue Wiedergabe hinaus. Sowohl Friedrich als auch Cézanne gestalten ihre Landschaften bewusst nach einer künstlerischen Idee. Die Natur wird nicht kopiert, sondern interpretiert. Während Friedrich diese Interpretation jedoch auf symbolischer Ebene vollzieht, entwickelt Cézanne sie innerhalb der bildnerischen Mittel selbst.

Zusammenfassender Vergleich

Sowohl Paul Cézanne als auch Caspar David Friedrich gehen über eine rein naturgetreue Wiedergabe der Landschaft hinaus. Beide nutzen reale Motive als Ausgangspunkt ihrer Kunst, verfolgen jedoch unterschiedliche Zielsetzungen.

Friedrich versteht die Landschaft als Träger einer religiösen und symbolischen Aussage. Die Klosterruine verweist auf Vergänglichkeit, während die Natur Hoffnung und göttliche Ordnung symbolisiert. Das Abbild dient somit der Vermittlung einer geistigen Idee.

Cézanne hingegen verzichtet auf eine eindeutige Symbolik. Für ihn steht die Wahrnehmung der Natur im Mittelpunkt. Durch Farbe, Form und sichtbare Pinselstriche (Taches) entwickelt er eine eigenständige Bildordnung, in der das Château Teil der gesamten Landschaft wird.

Damit zeigen beide Künstler unterschiedliche Auffassungen des Verhältnisses von Abbild und Idee: Friedrich nutzt das Abbild zur Darstellung einer symbolischen Botschaft, während Cézanne die Natur als Ausgangspunkt einer autonomen malerischen Gestaltung versteht. Friedrich repräsentiert damit die romantische Landschaftsmalerei, Cézanne hingegen weist den Weg zur klassischen Moderne.

Schluss

Zusammenfassend zeigt Paul Cézannes Château Noir beispielhaft seine neue Auffassung von Malerei. Das Gemälde stellt zwar eine reale Landschaft dar, löst sich jedoch deutlich von einer rein naturalistischen Wiedergabe. Durch die sichtbaren Pinselstriche (Taches), die differenzierte Farbmodulation, die offene Komposition und die enge Verbindung von Farbe, Form und Raum entsteht eine autonome Bildwirklichkeit. Das eigentliche Thema des Bildes ist daher weniger das Château selbst als vielmehr die malerische Erforschung von Wahrnehmung und Natur.

Im Vergleich dazu versteht Caspar David Friedrich Landschaft als Träger einer symbolischen Aussage. Seine Natur verweist auf religiöse und existenzielle Fragen und macht den Menschen auf Vergänglichkeit und Transzendenz aufmerksam. Cézanne verzichtet dagegen auf eine eindeutige Symbolik und richtet den Fokus auf die Gesetzmäßigkeiten der Malerei selbst.

Das Verhältnis von Abbild und Idee wird dadurch bei beiden Künstlern unterschiedlich bestimmt. Friedrich nutzt das Abbild, um eine geistige Idee sichtbar zu machen. Cézanne entwickelt die Idee aus den bildnerischen Mitteln selbst: Die sichtbare Wirklichkeit wird nicht kopiert, sondern in eine „Harmonie parallel zur Natur“ überführt. Gerade diese neue Auffassung von Farbe, Form und Bildstruktur machte Cézanne zu einem Wegbereiter der modernen Kunst und beeinflusste Künstler des Kubismus und der abstrakten Malerei nachhaltig.