Aufgabe I

Annäherung

Betrachte das Bild und schildere deine ersten Eindrücke und Assoziationen! Ziehe dabei auch in Erwägung, was womöglich außerhalb des gegebenen Ausschnitts zu sehen sein könnte!

Schriftliche Analyse

Untersuche das Bild hinsichtlich der Farbigkeit und Malweise!

Interpretationsansätze

Interpretiere das Werk auf der Grundlage deiner bisherigen Erkenntnisse und beziehe die Wirkungen mit ein, die sich durch die analysierten, aber auch durch weitere Gestaltungsmittel ergeben!

Erörtere dabei auch, inwiefern die im Titel des Bildes und der Bildserie erwähnte Perfektion bedeutsam ist!

Bezüge und Zusammenhänge

Die Einbeziehung von alltäglichen Bildern oder Objekten spielt in der Bildenden Kunst, aber auch im Design und der Performance eine Rolle.

Stelle ein geeignetes Beispiel vor und erläutere diese Einbeziehung!

Dein gewähltes Beispiel darf keines der in den vorliegenden Prüfungsaufgaben abgebildeten sein!

Bildnerisch-praktischer Teil: „Nach der Party“

Stelle dir vor, dass eine Party gerade zu Ende geht. Viele Gäste sind gegangen, die Musik läuft noch und du blickst auf die Spuren des ausgelassenen Abends, die Anregung für eine künstlerische Auseinandersetzung sein sollen.

Du nutzt Geschirr, Flaschen, Servietten oder Besteck sowie die bereitgestellten Farben und Lebensmittel, um Spuren des Festes zu imitieren. Entstandene Bildmotive hältst du ausschnitthaft in Skizzen und Studien fest.

Auf der Basis dieser Ergebnisse gestaltest du eine farbige Komposition, welche die Stimmung am Ende eines Festes vermittelt.

Vorbereitende Skizzen und Studien

Nutze die verschiedenen zur Verfügung gestellten Utensilien, um spielerisch Spuren der Party zu imitieren! Lege hierfür ein Papier als „Tischdecke“ unter!

Halte dabei entstehende markante Motive ausschnitthaft in Skizzen und Studien fest! Diese sind allein Gegenstand der Bewertung, die Utensilien werden nicht abgegeben.

Farbige Komposition

Gestalte auf der Grundlage deiner Skizzen und Studien eine farbige Komposition, welche die Stimmung am Ende einer Party vermittelt! Achte auf eine ausdrucksstarke und atmosphärische Wirkung!

Die Ausarbeitung kann als Zeichnung, Malerei oder in kombinierenden Techniken umgesetzt werden.

Annäherung:

Rebecca Scott zeigt in ihrem 2006 entstandenen, 1,88 × 1,36 m großen hochformatigen Ölgemälde „Perfekte Gastgeberin“ eine Szene, die in ihrer Anordnung an ein Stillleben erinnert. Auf einem Tisch sind verschiedene Gegenstände wie gestapeltes Geschirr und Besteck zu sehen, die darauf hindeuten, dass dieser gerade für ein festliches Mahl vorbereitet wird. Im Hintergrund ist angeschnitten eine stehende Person zu erkennen.

Die dargestellte Szene erinnert auf den ersten Blick an die Vorbereitungen für ein Familienfest, z. B. eine Geburtstagsfeier, oder an ein festliches Beisammensein in wohlhabender Gesellschaft.

Gleich ins Auge sticht, dass viele der dargestellten Dinge weiß sind, wie z. B. die Tischdecke, der Stuhl, die Teller und die Kleidung der Person. Das Gezeigte wirkt insgesamt harmonisch, obwohl zugleich eine gewisse Unordnung spürbar ist. Das Besteck liegt beispielsweise eher verstreut auf dem Tisch, als wäre es schnell hingeworfen worden. Dennoch ist alles, einschließlich der Stofftischdecke, noch sauber, die Flaschen sind ungeöffnet und der Kuchen ist noch nicht angeschnitten.

Die Atmosphäre wirkt hell, freundlich und einladend. Alles erscheint ruhig und friedlich, gleichzeitig aber auch lebendig und voller Energie. Strahlendes, sommerliches Licht bricht sich in den Gläsern und wird vom Silberbesteck, den Serviettenringen und den glänzenden Tellern reflektiert.

Auffällig ist außerdem die Art der dargestellten Gegenstände. Bei dem Besteck handelt es sich vermutlich um Silberbesteck. Die Messer haben recht dicke, massive Griffe. Die Trinkgläser im Vordergrund sind unterschiedlich gestaltet und besitzen sogenannte Kugelstiele. Auch die Teller sehen etwas unregelmäßig aus und könnten handgefertigt sein. Wahrscheinlich werden diese Gegenstände nur zu besonderen Anlässen verwendet. Sie wirken ein wenig altmodisch, zugleich aber auch hochwertig und luxuriös.

Die enorme, fast monumentale Größe des Bildes überrascht. Die Gegenstände werden darin stark vergrößert dargestellt. Auffällig ist jedoch, dass sie trotz ihrer Größe nur mit wenigen Details wiedergegeben sind.

Besonders ins Auge fällt die Vielzahl gläserner Gegenstände, durch die das Dahinterliegende verzerrt wird. Einige der Objekte scheinen allerdings auch an sich ungewöhnlich verformt zu sein. So sind alle Teller in gleicher Weise unrund und in der Höhe ungleichmäßig. Die beiden Trinkgläser im Vordergrund sind in ihrer grundsätzlich runden Form ebenfalls unregelmäßig.

Bemerkenswert ist außerdem die starke Ausschnitthaftigkeit der Darstellung. An allen vier Bildseiten werden Gegenstände vom Bildrand angeschnitten. Dadurch fragt man sich automatisch, wie das Bild „weitergeht“ und was außerhalb des gewählten Ausschnitts liegen könnte. Vielleicht wird das Essen gerade gebracht. Auch die angeschnittene Person wirft Fragen auf: Wer ist die Person? Handelt es sich um jemanden vom Hauspersonal oder von einem Catering-Service? Oder ist es vielleicht die im Titel genannte Gastgeberin selbst?

Möglicherweise nähern sich bereits die ersten Gäste, fein gekleidet und „herausgeputzt“. Vielleicht unterhalten sie sich noch an einigen Stehtischen bei einem Aperitif, während der Tisch schnell fertig gedeckt wird. Ein Blick über den Bildausschnitt hinaus würde auch klären, wo sich der Tisch eigentlich befindet. Steht er auf einer Terrasse oder in einem Innenraum? Gut vorstellbar wäre etwa ein hoher, repräsentativer Raum mit großen Fenstern, durch die strahlendes Licht hereinfällt, und mit einem Flügel im Hintergrund, an dem später ein Pianist zur Unterhaltung der Gäste spielt.

Schriftliche Analyse:

Analysiert man die Farbigkeit, fällt zunächst die reduzierte, helle Farbpalette auf. Scott verwendet auf großen Flächen Weiß in zahlreichen Nuancen. Vor allem im oberen Bildbereich und im Hintergrund finden sich bläuliche Weißtöne, die in den schattigeren Partien leicht ins Rötliche bzw. Violette und in den beleuchteten Bereichen ins Gelbliche, teilweise auch ins Beige übergehen. Dadurch entsteht ein Kalt-Warm-Kontrast. Diesen durchaus leuchtenden Pastelltönen setzt Scott an einigen Stellen eher stumpfe Grautöne entgegen, beispielsweise bei den Tellern, aber auch innerhalb der Gläser und beim Besteck. Die Tischdecke im unteren Bildbereich scheint teilweise mit gelblichen Tönen überarbeitet zu sein, wodurch sie an diesen Stellen leicht grünlich wirkt.

Die insgesamt hellen Partien stehen einige deutlich dunklere Bereiche gegenüber. Dieser Hell-Dunkel-Kontrast entsteht durch einzelne Motive wie den Schokoladenkuchen, vor allem aber durch die Schatten. Teile der Blumen, die Flüssigkeit in der Vase und die Sektflasche sind in dunklem Grün wiedergegeben. Insgesamt häufen sich die dunkleren Flächen in der unteren Bildhälfte bzw. im Vordergrund. Der Hintergrund erscheint dagegen heller und blasser, zugleich aber auch insgesamt kühler und kontrastärmer.

Auffällig sind außerdem einige kleine, aber deutliche Akzente in leuchtenden Farben. Scott setzt damit sowohl einen Quantitäts- als auch einen Qualitätskontrast ein. An den Rändern einiger Motive, besonders deutlich bei den Gläsern und einigen Tellern, finden sich leuchtendes Orange und grünliches Gelb. Etwas gedämpfter erscheinen die unterschiedlichen Gelbtöne der Stumpenkerze und der angeschnittenen Blütenkelche. Das Innere der Blütenblätter ist dagegen in einem hellen Zinnoberrot gestaltet.

Untersucht man die Malweise genauer, fällt zunächst der überwiegend deckende Farbauftrag auf. Gerade die pastellfarbenen Partien wirken vergleichsweise dick aufgetragen. Aus der Nähe ist die cremige Konsistenz der Ölfarbe deutlich zu erkennen, die stellenweise ins Pastose übergeht. Aus der Ferne entsteht zwar ein nahezu fotorealistischer Eindruck, im Detail zeigt sich jedoch eine wenig glatte Oberfläche mit deutlich sichtbaren Pinselstrichen und einem spürbaren Duktus.

Bei einigen Motiven, etwa der Kleidung der Person, lässt sich erkennen, wie die verschiedenen Farbtöne zur plastischen Modellierung der Flächen eingesetzt werden. Die einzelnen Abstufungen in Helligkeit und Farbton sind fein aufeinander abgestimmt, bleiben aber dennoch deutlich voneinander unterscheidbar. Insgesamt ist im Hintergrund ein stärkerer Abstraktionsgrad und ein etwas flächigerer Farbauftrag zu erkennen.

Die leuchtenden Stellen entlang der Konturen und Ränder einiger Motive sind vermutlich sichtbare Reste einer ersten Farbschicht bzw. einer Vorzeichnung, die anschließend weitgehend deckend übermalt wurde. In den Bereichen der Schlagschatten lassen sich dagegen Überlagerungen verschiedener Farbschichten erkennen. So entsteht die insgesamt dunkle Farbigkeit der großen Schattenfläche des linken Tellerstapels durch das Zusammenspiel bläulich-grauer und verschiedener bräunlicher Striche und Flächen. Im rechten Bereich wird deutlich, dass die hellere bläulich-graue Farbe nachträglich in kurzen, unterschiedlich gerichteten Pinselstrichen auf die darunterliegende dunklere Schicht aufgetragen wurde. Der Rand bleibt dabei ausgespart und hebt sich dadurch in einem deutlich leuchtenderen Braunton ab. Um diesen insgesamt dunklen Bereich verläuft zusätzlich eine ins Gelbliche gehende Kontur. Sie tritt auffällig hell hervor, da auch die angrenzende Fläche der Tischdecke dunkler gehalten ist, und scheint ein Rest einer hellen Untermalung zu sein. Eine vergleichbare Konturierung findet sich bei der Schattenfläche des Tellerstapels auf der linken Seite. Hier sind etwas dunklere, mit einem breiten Borstenpinsel aufgetragene Linien zu erkennen, die der elliptischen Form der Fläche folgen. Dabei entstehen stellenweise Mischtöne mit den helleren Farben der Tischdecke. Ähnlich deutliche Pinselspuren zeigen sich auch im Schattenbereich des herabhängenden Tischtuchs in der linken unteren Bildecke.

Interpretationsansätze:

Die Verwendung der Farbe Weiß mit ihren vielen hellen, fein aufeinander abgestimmten Nuancen vermittelt eine freundliche, helle und einladende Atmosphäre, die gut zu dem kurz bevorstehenden Fest passt. Die luxuriös wirkenden Gegenstände schaffen ein gehobenes Ambiente und verweisen auf den Lebensstil wohlhabender Menschen. Das strahlende Licht und die vielfältigen Reflexionen verstärken den Eindruck von Opulenz und unterstreichen die Festlichkeit und Besonderheit des Gedecks. Darüber hinaus lässt sich die Farbe Weiß als Verweis auf Reinheit und Perfektion deuten. Der freudige Anlass und die dargestellte Schönheit lassen an ein scheinbar sorgenfreies Leben in Wohlstand denken – also an das, was viele Menschen wohl unter einem „perfekten Leben“ verstehen und worauf auch der Titel der Bildserie verweist.

Weniger zum Eindruck von Perfektion passt dagegen die Tatsache, dass die Vorbereitungen noch nicht abgeschlossen sind. Der Tisch ist noch nicht fertig gedeckt, und auch die schon bereitgestellten Gegenstände wirken eher ungeordnet und beiläufig abgestellt. Besonders das Durcheinander des Bestecks, dessen Anzahl zudem nicht zu der der Teller zu passen scheint, wirkt auf den ersten Blick spontan und zufällig.

Der Bildaufbau ist durch die Trinkgläser, die Flaschen, die Vase und das Glas mit der Kerze von zahlreichen Senkrechten geprägt. Diese vermitteln eine grundsätzliche Klarheit und rhythmisieren und strukturieren zugleich die Bildfläche. Im Kontrast dazu stehen die Schrägachsen der Tischkante und der Tischdecke. Ihre Ausrichtung wird durch die Staffelung einiger Gegenstände auf dem Tisch sowie durch die Lage zweier Messer und eines Serviettenrings aufgegriffen und unterstützt. Dadurch entstehen der Eindruck von Bildtiefe und zugleich eine gewisse Bewegung.

Insgesamt erscheint dieses Stillleben bei genauerer Betrachtung weniger zufällig, als es zunächst den Anschein hatte, sondern vielmehr bewusst und überlegt arrangiert. Wahrscheinlich wurden die Gegenstände gezielt so angeordnet, damit die Szene spontan und ungezwungen wirkt und dadurch „echtes Leben“ suggeriert. Scott verwendet als Vorlagen für ihre Serie „Perfektes Leben“ Fotografien aus Zeitschriften, Kalendern und Magazinen. Sie malt somit gewissermaßen Bilder von Bildern. Dies wird auch in ihrer Malweise deutlich: Sie überführt das komplexe Spiel des Lichts mit seinen zahlreichen Reflexionen auf optisch reizvolle Weise in ein anderes Medium, ohne dabei dessen eigene Gestaltungsmittel zu verbergen. Die sichtbar cremige Konsistenz der Farbe und die deutlichen Pinselstriche machen offensichtlich, dass es sich nicht um eine Fotografie, sondern um Malerei handelt.

Besonders eindrucksvoll wirkt dabei die Monumentalität des Gemäldes. Durch die enorme Vergrößerung wird die ursprünglich kleine fotografische Vorlage überhöht. Scott schafft so – auch durch die bewusste Betonung der malerischen Mittel – eine eigene, neue Bildwirklichkeit.

Im Zusammenhang mit dem Titel der Serie scheint es Scott um ein Abbild dessen zu gehen, was die Konsumentinnen und Konsumenten dieser Medien unter einem „perfekten Leben“ verstehen bzw. verstehen sollen: Luxuriöse Gegenstände werden ins rechte Licht gerückt und erzeugen so einen schönen Schein. Auch die starke Ausschnitthaftigkeit verweist auf das Medium der Fotografie. Gleichzeitig bleibt dadurch vieles ausgespart. Was die fotografische Vorlage nicht zeigt, bildet auch die Malerin nicht ab.

Einen Hinweis darauf, was hinter diesem schönen Schein stecken könnte, gibt die Künstlerin mit dem Titel „Perfekte Gastgeberin“. Er scheint nicht recht zum Dargestellten zu passen und verweist möglicherweise auf Klischees und typische Rollenbilder, die in derartigen Medien vermittelt und bekräftigt werden. Die Rolle der Frau scheint darin zu bestehen, perfekt sein zu müssen – oder sein zu wollen – und sich um alles zu kümmern, was mit dem Haushalt zu tun hat. Im Zusammenhang mit dem Titel lässt sich die angeschnitten dargestellte Person als Gastgeberin deuten. Auch wenn ihre Tätigkeit durch die Ausschnitthaftigkeit nicht eindeutig zu erkennen ist, erweckt die Haltung ihres angewinkelten rechten Arms den Eindruck, als würde sie gerade etwas tragen und sich somit selbst um die Vorbereitungen kümmern.

Die eigentliche Arbeit mit all ihren Mühen, dem Chaos in der Küche und Ähnlichem bleibt dagegen ausgespart. Vielleicht sind jedoch die noch nicht abgeschlossenen Vorbereitungen und das ungeordnet, wie beiläufig abgelegte Besteck kleine Hinweise auf den Stress, der sich hinter der perfekten Fassade verbirgt. Auch andere Details stören den schönen Schein: Warum wirken die Gegenstände bei genauerer Betrachtung so unregelmäßig, teilweise sogar deformiert? Sind diese kleinen Fehler, dieses „Unperfekte“, vielleicht der neue Chic und damit das eigentliche Ideal? Darf man ein wenig „aus der Reihe tanzen“ und seiner zugeschriebenen Rolle nicht vollkommen entsprechen?

Die Künstlerin scheint bei der Wiedergabe gezielt von ihrer fotografischen Vorlage abzuweichen. Sie zeigt in ihrem Gemälde keine geglättete Perfektion, sondern verleiht der Darstellung vielmehr einen gewissen „Handmade“-Charakter. Damit bricht sie auf eigentümliche Weise die scheinbar perfekte, fotografische Wirklichkeit ihrer Vorlage.

Diese Wirkung wird auch durch den Betrachterstandpunkt unterstützt. Durch den fokussierten Vordergrund und die leichte Aufsicht wird man unmittelbar in das Bildgeschehen hineingeholt, durch die Komposition zugleich aber auf seltsame Weise davon abgeschirmt. Es findet sich kein Platz, an dem man als Gast sitzen könnte. Der noch nicht einmal fertig gedeckte Tisch wirkt dadurch eher wie eine Barriere als eine Einladung. Was bleibt, sind Irritationen und offene Fragen – mitten im vermeintlich „perfekten Leben“.

Bezüge und Zusammenhänge:

Mit Klischees, die einerseits aufgegriffen und vor Augen geführt, zugleich aber auch gebrochen werden, spielt auch der zeitgenössische Künstler Romuald Hazoumè aus Benin. Für seine von der Kunstkritik gefeierten Objektkunstwerke fertigt er aus gebrauchten Plastikkanistern und anderen Alltagsgegenständen Masken, die an der Wand präsentiert werden. Diese erstmals Ende der 1980er-Jahre bekannt gewordene Werkserie trägt den Titel „Masques Bidons“, auf Deutsch „Benzinkanister-Masken“, da Hazoumè meist Benzinkanister als zentrales Element, nämlich als Kopf, verwendet. Im Alltag Benins sind solche Kanister allgegenwärtig. Sie dienen beispielsweise dem Transport und der Aufbewahrung von Trinkwasser oder Treibstoff und finden sich in großer Zahl an den Straßenrändern.

Der expressive Charakter traditioneller afrikanischer Masken mit ihren stark abstrahierten Gesichtszügen findet sich auch in Hazoumès Werken wieder. Gerade diese Formensprache hatte bereits Picasso und andere Künstler der europäischen Moderne zu Beginn des 20. Jahrhunderts stark fasziniert und inspiriert.

Ein konkretes Beispiel ist die Arbeit „Ayoyo“ aus dem Jahr 2013. Das Gesicht wird hier von einem schmalen, grauen Plastikkanister gebildet, der kopfüber gedreht und schräg nach vorne ragend an der Wand befestigt ist. Die kreisrunde, mit einem Schraubgewinde versehene Öffnung des Kanisters ist nicht durch einen Deckel verschlossen und lässt sich aufgrund ihrer Form als kleiner, offen stehender Mund deuten. Der etwas weiter oben ansetzende, gleichmäßig schmale Griff wird zur Nase, während die dahinterliegende Aussparung des Kanisters wie tiefe Augenhöhlen wirken. Der ursprünglich untere Teil des Kanisters mit seinen waagrechten Rillen bildet durch die umgekehrte Präsentation den oberen Bereich des Kopfes und lässt sich als leicht in Falten gelegte Stirn des Gesichts lesen. Auf den Kanister ist ein dunkelbraunes, synthetisches Haarteil mit Dreadlocks aufgesetzt, sogenannte Extensions, die in Benin weitverbreitet sind. Die Haare sind mit vielen verschiedenen, schmalen Streifen aus Waxprints, leuchtend bunt gemusterten Stoffen, die für uns typisch für afrikanische Textilien sind, umwickelt und nach oben gesteckt – eine übliche Alltagsfrisur in der Heimat des Künstlers. Die von außen nicht sichtbare Verdrahtung verbindet das Haarteil mit dem Kanister und stabilisiert es so, dass einzelne Dreadlocks expressiv schräg nach oben abstehen können. Dadurch wird die für traditionelle afrikanische Masken charakteristische Symmetrie aufgebrochen, die sich ansonsten auch häufig in Hazoumès Arbeiten wiederfindet.

Anders als in Europa lässt sich in Benin an der Art, die Haare zu tragen, auch der gesellschaftliche Status einer Frau ablesen. Die hier dargestellte Frisur gibt Auskunft über ihren Beziehungsstatus und signalisiert, dass die Frau frei, also alleinstehend ist. Eine weitere Bedeutungsebene eröffnet der Titel des Werks: „Ayoyo“ heißt übersetzt etwa „große Freude“. Zugleich klingt darin „Oyo“ an, der Name eines vorkolonialen Königreichs, in dessen kultureller Tradition sich der Künstler und viele seiner Landsleute sehen. Hazoumè schafft somit auch als Hommage an das künstlerische Schaffen seiner Vorfahren aus einfachen Alltagsmaterialien das würdevolle Porträt einer selbstbewussten afrikanischen Frau.

Mit seinem künstlerischen Schaffen entspricht Hazoumè, wie er selbst sagt, zugleich der Erwartungshaltung vieler Europäer, die mit afrikanischer Kunst vor allem Masken verbinden. Dabei führt er eine alte Kunsttradition seines Landes fort und schafft gleichzeitig eine zeitgenössische Neufassung. An die Stelle einer von Hand geschnitzten und mit Naturmaterialien kombinierten Maske tritt bei ihm eine Collage aus wenigen Objets trouvés, vorgefundenen Alltagsgegenständen, die er aus dem Zivilisationsmüll auswählt.

In diesem künstlerischen Konzept spiegeln sich zugleich globale Wirtschaftskreisläufe wider: In Afrika wird der Müll der reichen Industrieländer des globalen Nordens, der dort entsorgt wird, häufig unter ausbeuterischen Bedingungen und in schlecht bezahlter Handarbeit sortiert, recycelt oder anderweitig weiterverarbeitet. Hazoumè verwandelt diesen Müll dagegen im Sinne eines Upcyclings in Kunst und bringt ihn zurück in den Norden, wo seine Werke auf dem Kunstmarkt als wertvolle Waren gehandelt werden. Wie ihre traditionellen Vorbilder sind auch seine Masken poetisch und symbolisch aufgeladen. Durch die billigen und teilweise beschädigten Alltagsmaterialien wirken Hazoumès Neuschöpfungen zugleich witzig. Das Konzept beinhaltet über den Humor hinaus aber auch etwas Sarkastisches und Bitteres. Wie der Künstler selbst erklärt, erinnern seine Masken zudem daran, dass Europäer den Afrikanern im Zuge des Kolonialismus zahlreiche traditionelle Masken raubten und sie zwangen, neue anzufertigen.

Vorbereitende Skizzen und Studien – Beispiellösung:

Zunächst werden mithilfe der bereitgestellten Utensilien verschiedene Spuren einer vergangenen Feier auf einer als Tischdecke dienenden Papierunterlage nachgestellt. Dazu können beispielsweise umgekippte Becher, leere Flaschen, zerknüllte Servietten, Essensreste und verschüttete Flüssigkeiten arrangiert werden.

Die entstandenen Anordnungen dienen als Grundlage für mehrere zeichnerische Studien. Dabei werden sowohl einzelne Gegenstände als auch größere Bildausschnitte untersucht. Besondere Aufmerksamkeit gilt den unterschiedlichen Oberflächenstrukturen, Licht- und Schattenwirkungen, Überschneidungen sowie den zufällig entstandenen Spuren auf der Tischfläche.

Durch die Variation von Perspektive, Bildausschnitt und Anordnung werden unterschiedliche kompositorische Möglichkeiten erprobt. Ergänzende Farb- und Lichtstudien können dazu beitragen, die gewünschte Atmosphäre der späteren Bildgestaltung vorzubereiten.

Die Skizzen und Studien bilden die gestalterische Grundlage für die anschließende farbige Komposition.

a)

Skizzen – mögliche Bildaufbauten:

Variante A: Nahsicht Tisch (Detail)

Variante B: Raumansicht (Weite)

Variante C: Ruhezone / Sofa

b)

Motivstudien (Ausschnitte):

Flasche (Glas, Reflexion)

Becher (Form, Knick)

Aschenbecher (Textur)

Serviette (Falte, Licht)

c)

Farbstudien / Lichtstimmung:

d)

Kompositionsskizze:

Farbige Komposition – Beispiellösung:

Auf Grundlage der vorbereitenden Skizzen und Studien entsteht eine farbige Komposition, die die Atmosphäre unmittelbar nach dem Ende einer ausgelassenen Feier vermittelt.

Im Vordergrund befinden sich verschiedene zurückgelassene Gegenstände wie leere Flaschen, umgekippte Becher, benutzte Gläser und zerknüllte Servietten. Die unregelmäßige Anordnung, die Überschneidungen der Gegenstände sowie die verstreuten Essensreste verdeutlichen die Spuren des vergangenen Festes. Der Tisch bildet dabei den kompositorischen Schwerpunkt.

Die Farbgestaltung wird durch einen ausgeprägten Warm-Kalt-Kontrast bestimmt. Während die warmen Gelb- und Orangetöne der Lichterkette sowie deren Reflexionen an die ausgelassene Stimmung der Feier erinnern, vermitteln die kühlen Blau- und Violetttöne eine ruhige, beinahe melancholische Atmosphäre. Die unterschiedlichen Lichtquellen erzeugen zudem räumliche Tiefe und betonen die Oberflächen der dargestellten Gegenstände.

Der sichtbare Pinselduktus und die teilweise expressive Farbgebung verstärken die lebendige Bildwirkung.

Durch das Zusammenspiel von Unordnung, Beleuchtung und kontrastreicher Farbgestaltung entsteht eine spannungsvolle Atmosphäre zwischen der noch spürbaren Dynamik der vergangenen Feier und der einsetzenden Stille. Die Abwesenheit von Personen unterstreicht dabei das Ende des Festes.