Aufgabe III

Annäherung und Beschreibung

Betrachte die Fotografie eingehend! Schildere deine ersten Eindrücke und Assoziationen! Beschreibe anschließend das Bild ausführlich!

Bildnerisch-praktische Analyse

Untersuche auf einem großen Studienblatt in mehreren aussagekräftigen Zeichnungen in verkleinertem Maßstab folgende Aspekte:

• die Komposition von Linien, Achsen und Formen,

• die wahrscheinliche Raumsituation von oben mithilfe einer vereinfachten Draufsicht,

• die Hell-Dunkel-Verteilung!

Achte auf eine spannungsreiche Gesamtkomposition des Studienblattes und eine gelungene zeichnerische Verdeutlichung deiner Untersuchungsergebnisse!

Schriftliche formale Analyse

Zeige in geordneter schriftlicher Darstellung, wie die Komposition von Linien, Achsen und Formen, die Lichtführung und die Farbigkeit die Beziehungen der Figuren untereinander und zum Raum bestimmen!

Erweiterte Analyse und Interpretation

„Ich interessiere mich für die Frage der Erzählung, wie sich Fotografie von anderen Erzählformen wie Schreiben und Film unterscheidet, aber mit ihnen verbunden ist.“

Gregory Crewdson

Entwickle schlüssige Interpretationsansätze zu dem Werk! Gehe dabei von deinen bisherigen Beobachtungen, Untersuchungen und Erkenntnissen aus und zeige, wie die untersuchten formalen Mittel die Wirkung des Bildes beeinflussen!

Bezüge und Zusammenhänge

Stelle ein Werk aus der Architektur, der Malerei, der Objektkunst oder dem Design vor, bei dem Licht als Gestaltungselement ebenfalls eine bedeutende Rolle spielt!

Erläutere, welche Funktion das Licht in dem gewählten Werk übernimmt und welche Wirkung dadurch entsteht!

Dein gewähltes Beispiel darf keines der in den vorliegenden Prüfungsaufgaben abgebildeten Werke sein!

Annäherung und Beschreibung:

Der erste Eindruck der Fotografie „Untitled (Sunday roast)“ (deutsch: „Ohne Titel (Sonntagsbraten)“) von Gregory Crewdson aus den Jahren 2003–2008, bei der es sich um einen C-Print mit den Maßen 144,8 × 223,5 cm handelt und von der eine Auflage von sechs Exemplaren existiert, ruft eine Bandbreite an düsteren Gefühlen hervor. Diese können von Beklemmung und Befremdung bis hin zur Wahrnehmung einer bedrohlichen Atmosphäre reichen.

Das großformatige, querrechteckige Foto eröffnet den Betrachtenden den Blick in drei bühnenhaft inszenierte Räume, die sich in einer zentralperspektivisch organisierten Zimmerflucht aneinanderreihen. Die Szenerie ist von getrübter Stimmung, ja Tristesse, geprägt. Die beiden abgebildeten Personen wirken wie erstarrt und beziehungslos; sie erscheinen in einer Atmosphäre des Wartens gefangen. Disharmonische Farbklänge ziehen den Blick in die Tiefe des Bildraums.

Gestaffelt zeigt sich eine Abfolge von zwei Innenräumen und einem Außenraum. Die querrechteckigen Öffnungen zwischen ihnen wirken wie Rahmen und lassen so den Eindruck eines „Bildes im Bild“ entstehen. Zu beiden Seiten sind Holzwände zu erkennen, außerdem eine Steckdose sowie ein nur teilweise sichtbares, gerahmtes Gemälde. Durch die an den Bildseiten angeschnittenen Wände lässt sich ein weiterer Raum imaginieren, in dem sich die Betrachtenden aufhalten könnten.

Im mittleren Raum zeigt die Fotografie zwei Personen an einem gedeckten Esstisch, der sich inmitten eines konservativen, barockisierenden Interieurs befindet. Zu sehen sind etwa geblümte Tapeten, eine Kommode mit drei Schubladen, ein verglaster Schrank sowie verschiedene Dekorationsgegenstände, z. B. ein Kronleuchter mit Blumendekor. Alles ist perfekt arrangiert, sauber und von penibler Ordnung. An den Wänden des mittleren Raumes scheinen Landschafts- und Blumenbilder zu hängen; auf einem Servierwagen stehen zahlreiche Alkoholika. Ein Lichtschein links der zweiten großen Raumöffnung lässt darauf schließen, dass es an der linken Wand ein weiteres Fenster gibt. Die Vorhänge sind dort vermutlich geschlossen. Sie lassen nur in der Mitte einen schmalen Lichtstreifen hindurch, der sich an der Wand oberhalb des verglasten Schranks abzeichnet.

Die Tafel ist festlich für vier Personen gedeckt. Ein Braten, vielleicht ein Truthahn, könnte darauf hindeuten, dass die Szenerie eine Thanksgiving-Feier zeigt. Zwei Stühle sind jedoch unbesetzt; der vordere ist leicht schräg vom Tisch abgerückt. Der Tisch steht quer zur Betrachtungsrichtung; die Höhe seiner Tischplatte ist in etwa im Verhältnis des Goldenen Schnitts zur Höhe des äußeren Rahmens. Zentral im Bild, in der Mitte der Längsseite des Tisches, sitzt aufrecht, ja geradezu steif, eine streng frisierte Frau mittleren Alters. Ihr Blick scheint starr auf den Braten gerichtet zu sein; mit dessen Farbigkeit korrespondiert zugleich das Rot ihrer eng anliegenden Strickjacke. Zudem trägt sie eine hellblaue Bluse, deren oberster Knopf geöffnet ist. Die dadurch suggerierte Lässigkeit setzt sich in der Kleidung des jungen Mannes fort, der sich zu ihrer Linken an einer der Stirnseiten des Tisches befindet. Auch er trägt ein hellblaues Hemd, das leicht geöffnet ist und dessen Ärmel hochgekrempelt sind. Seine Arme liegen parallel auf den Lehnen seines Stuhls. Auch er sitzt sehr aufrecht und richtet seinen Blick auf den Braten. Ein runder Teppich aus konzentrischen, pastellfarbenen Kreisen unterstützt die zentrierte Ausrichtung der Speisesituation.

Die Lichtsituation des mittleren Raumes ist sehr dunkel gehalten. Lediglich die elektrischen Kerzen eines zentral aufgehängten Deckenlüsters erzeugen hier rauminternes Licht. Zudem fällt Licht aus dem hell erleuchteten Hinterraum, welcher sich unmittelbar hinter der erwähnten Frau befindet. Dieser drängt sich zudem durch seine Buntfarbigkeit auf: Eine grellgrüne Wandfarbe sowie ockerfarbene Vorhänge kontrastieren mit der roten Kleidung der Frau; ihr Haar korrespondiert hingegen mit der Tönung zahlreicher Elemente in der Küche, z. B. dem semitransparenten Vorhang oder dem Küchenstuhl. Es müssen aber noch weitere Lichtquellen vorhanden sein, denn allein durch die Küchenlampe, die auf einer Linie mit dem Lüster aufgehängt ist, ließe sich eine solche Lichtkraft nicht erzeugen. Das Mobiliar des hinteren Raumes ist schlicht und deutlich heller gehalten als das des Speisezimmers. Die abgebildeten Gegenstände lassen darauf schließen, dass es sich um eine Küche handelt – Herd oder Spüle sind jedoch nicht zu sehen.

Zentral öffnet sich durch ein querrechteckiges, dreiteiliges Fenster der Blick hinaus in die Dunkelheit. Dort ist die hell und bläulich erstrahlende Holzfassade eines benachbarten Hauses, dessen Fenster erleuchtet ist, zu erkennen.

Bildnerisch-praktische Analyse:

Fertige deine Zeichnungen bewusst in einem kleineren Format an. Die zeichnerische Auseinandersetzung mit dem Kunstwerk soll dir helfen, dessen Gestaltung genauer zu untersuchen und die Zusammenhänge besser zu verstehen. Dieses Verständnis sollte möglichst auch in deinen Zeichnungen erkennbar werden.

Verwende für die Zeichnungen höchstens ein Drittel der gesamten Bearbeitungszeit und konzentriere dich auf die wesentlichen Gestaltungselemente, anstatt dich in Details zu verlieren.

Eine Hell-Dunkel-Studie muss beispielsweise nicht vollständig ausgearbeitet sein. Einzelheiten dürfen vereinfacht oder unscharf dargestellt werden. Wichtiger ist es, durch eingezeichnete Achsen sowie die Darstellung von Raum- und Formbeziehungen den kompositorischen Aufbau der Fotografie zu verdeutlichen.

Achte außerdem darauf, deine Zeichnungen übersichtlich und ansprechend auf dem gewählten Format anzuordnen.

Skizze 1: Komposition von Linien, Achsen und Formen

Skizze 2: Wahrscheinliche Raumsituation aus der Draufsicht

Skizze 3: Hell-Dunkel-Verteilung

Schriftliche formale Analyse:

Die Komposition der Fotografie wird wesentlich durch das Zusammenspiel von Linien, Achsen und Formen bestimmt. Im Zentrum befindet sich die bereits erwähnte Frau. Durch sie verläuft die Mittelachse des Bildes. In deren Fortführung nach oben sind die beiden erwähnten Lampen angeordnet, nach unten hin liegt auf ihr die Mitte des Tisches. Durch die leicht schräge Haltung des Kopfes der Frau und die damit verbundene Blickrichtung entsteht ein Bezug zum Braten. Zugleich öffnet sich ihre Haltung dadurch zu dem links von ihr sitzenden Jungen.

Seine Körperachse verläuft parallel zu der ihren; er selbst ist im rechten Drittel des Bildes platziert. Zugleich lässt seine Haltung eine Analogie zu den senkrechten Elementen der Raumöffnungen erkennen. Hervorzuheben ist, dass die Fotografie nahezu keine Diagonalen aufweist, die durch gegenständliche Elemente gebildet werden. Lediglich die kleine Dachschräge des benachbarten Hauses, die im hintersten Teil des Bildes zu erkennen ist, durchbricht dieses Prinzip.

Einige wenige, eher klein gehaltene organische Formen lockern die ansonsten strenge Komposition auf. Dazu zählen beispielsweise die geschwungene Form des Kronleuchters, die barockisierenden Schwünge der Holzstühle, der Braten oder ein Blumenstrauß.

Für die Lichtführung der Fotografie ist vor allem der starke Kontrast zwischen hellen und dunklen Bereichen bestimmend. Dabei dominiert die Dunkelheit etwa zwei Drittel des Bildes. Zugleich wirft die Art der Beleuchtung Fragen auf: Die vorhandenen Deckenleuchten können weder für die Qualität noch für die Intensität der Ausleuchtung verantwortlich sein. Die beiden dargestellten Personen wirken hingegen angestrahlt, als säßen sie im Schein verschiedener „Spots“.

Es macht den Eindruck, als stamme diese Beleuchtung aus dem hinteren Raum, der Küche; konkret zuzuordnende Lichtquellen bleiben den Betrachtenden jedoch verborgen. Dadurch erinnert die Beleuchtung an eine Theatersituation oder ein Filmset.

Das Licht im Zentrum des Bildes wirkt durch die reflektierende Farbigkeit der Tischdecke deutlich wärmer als das bläuliche Licht, das sich zu den Rändern hin ausbreitet. Wie bereits erwähnt, lässt ein schwaches, von links einfallendes Licht vermuten, dass sich an der entsprechenden Wand des mittleren Raumes ein weiteres Fenster befindet. Dessen Vorhänge könnten bis auf einen schmalen Spalt, durch den etwas Licht in den Raum fällt, zugezogen sein.

Durch die beschriebene Lichtführung befinden sich die beiden Personen im Halbdunkel, eine Wirkung, die durch den nur gedimmt leuchtenden Kronleuchter zusätzlich verstärkt wird. Dazu steht der stark erhellte hintere Raum in deutlichem Kontrast. Das von dort einfallende Licht hinterlässt Spuren auf den Gesichtern der beiden Personen und beleuchtet zugleich die Tischplatte, wodurch diese gezielt in den Fokus gerückt wird.

Die Farbigkeit der Fotografie erscheint bis ins Detail inszeniert und ist von einem Zusammenspiel korrespondierender und kontrastierender Farbklänge bestimmt. Die bereits erwähnte bläuliche Lichtstimmung breitet sich von den Seiten gleichmäßig zur Mitte hin aus und trifft dort auf die intensive Farbwirkung des grün gehaltenen Raumes. Dieser hebt sich durch seine Leuchtkraft deutlich von der bläulichen Farbigkeit ab; zugleich schafft der Blauanteil des spezifischen Grüntons eine gewisse farbliche Verbindung.

Das Gelb der Küchenvorhänge bildet einen warmen Kontrast zum bisher beschriebenen Kolorit und wird zugleich von der Tischdecke im mittleren Raum aufgegriffen, wodurch der Eindruck räumlicher Kontinuität unterstützt wird – der hintere und mittlere Raum erscheinen also optisch miteinander verbunden. Beide Personen sind durch ihre bläulichen Kleidungsstücke farblich sowohl aufeinander als auch auf den umgebenden Raum bezogen. Das rote Jäckchen der Frau steht in einem Komplementärkontrast zur grünen Küchenwand und stellt zugleich einen farblichen Bezug zum rötlich glänzenden Braten her. Die leichte Rosatönung des Blumendekors des Kronleuchters und des Teppichs sowie das Rotbraun des Interieurs und des Bilderrahmens der Landschaftsdarstellung sorgen darüber hinaus für eine farbliche Einbindung des Rottons in den Raum. Die fahle Gesichtsfarbe des Jungen korrespondiert hingegen mit der Farbwirkung der schwach leuchtenden Glühbirnen.

Erweiterte Analyse und Interpretation:

Bei der arrangierten Szenerie handelt es sich um eine Lebensrealität in einem weiß gelesenen, bürgerlichen Kontext. Die Gegenstände sowie die Gestaltung der Räumlichkeiten lassen dabei auf einen gewissen Wohlstand schließen.

Die zuvor beschriebenen bildnerischen Mittel erzeugen die Ästhetik eines „Filmstills“ oder einer eingefrorenen Theaterszene. Die streng gerahmte räumliche Situation erinnert an eine Guckkastenbühne, während die Ausstattung der Räume kulissenhaft wirkt. Die überaus präzise inszenierte Farb- und Lichtkomposition erzeugt eine unangenehme, beinahe albtraumhafte Atmosphäre. Dazu trägt auch die wie aus der Zeit gefallen wirkende Möblierung bei, deren Bedeutung zunächst rätselhaft bleibt.

Die strenge, weitgehend symmetrische Ausrichtung des Bildraumes vermittelt ein Gefühl von Enge, ja von einer gewissen Unausweichlichkeit. Die starken Kontraste verstärken zusätzlich die unbehagliche Wirkung.

Das Versprechen einer klischeehaften familiären Idylle, das der Titel der Fotografie heraufbeschwören könnte, wird hingegen nicht eingelöst. Vielmehr scheint unter der dünnen Oberfläche eine unterschwellige Spannung spürbar zu sein, die neben der Farbgestaltung vor allem durch die starre Haltung der Personen hervorgerufen wird. Bewegungslos sitzen sie nebeneinander, ohne miteinander in Kontakt zu treten. Lediglich ihre Blicke richten sich auf dasselbe Objekt, den Braten; auch über farbliche Parallelen sind sie miteinander verbunden. Die Ausrichtung der Personen und die starke Dunkelheit vermitteln dennoch den Eindruck von innerer wie auch gemeinsamer Isolation.

Die beiden leeren Stühle, von denen einer leicht vom Tisch abgerückt ist, sowie die beiden zusätzlich gedeckten Plätze mit Tellern, Gläsern und Besteck lassen darauf schließen, dass zwei Personen (noch) fehlen.

Die gedrückte Stimmung der beiden Anwesenden könnte vermuten lassen, dass diese Personen auch nicht mehr kommen werden, z. B. weil sie verstorben sind. Denkbar wäre etwa, dass es sich bei den Fehlenden um den Vater und ein Geschwisterkind des Jungen handelt. An Festtagen könnte ihrer gedacht werden, indem weiterhin auch für sie gedeckt wird, während die Trauer schwer auf den Zurückgebliebenen lastet. Einrichtung und Farbigkeit unterstützen eine solche Lesart, da sie den Eindruck einer in der Vergangenheit erstarrten Zeitkapsel erzeugen und die albtraumhafte Wirkung der Szenerie verstärken.

Eine weitere Deutung könnte von einem unmittelbar vorausgegangenen familiären Konflikt ausgehen. Das Geschwisterkind könnte den Raum, vielleicht sogar das Haus, verlassen haben, während der Vater nicht anwesend ist und möglicherweise wieder einmal nicht nach Hause gekommen ist. Die Frau scheint dennoch an der Vorstellung familiärer Harmonie festzuhalten, während der Sohn sie darin unterstützt. Ihre starren Körperhaltungen könnten jedoch darauf hindeuten, dass beiden bewusst ist, dass die Idylle nur vorgetäuscht ist. Das nicht anwesende Geschwisterkind könnte hingegen die familiäre Lebenslüge offen benannt und durch einen theatralischen Abgang deutlich gemacht haben, dass sie das sprichwörtliche „Theater“ nicht länger mitspielt.

Auch die Farbgebung kann in diesem Zusammenhang als Ausdruck der belasteten, geradezu „giftigen“ familiären Beziehungen gelesen werden. Die streng organisierte, beinahe zwanghaft wirkende Ordnung des Bildes könnte schließlich die mangelnde Bereitschaft der dargestellten Personen widerspiegeln, sich einer unbequemen Realität – möglicherweise auch eigenen Traumata – zu stellen und Veränderungen oder gar Heilung zuzulassen.

Dass die Fotografie zu unterschiedlichen Deutungen anregt und die Betrachtenden dazu verleitet, mögliche Geschichten hinter der dargestellten Situation zu entwickeln, entspricht Crewdsons grundsätzlichem Interesse am erzählerischen Potenzial der Fotografie. Dieses beschreibt er selbst folgendermaßen: „Ich interessiere mich für die Frage der Erzählung, wie sich Fotografie von anderen Erzählformen wie Schreiben und Film unterscheidet, aber mit ihnen verbunden ist.“

Das Zitat bringt das Anliegen des Künstlers zum Ausdruck, einerseits das Narrativ, also das Erzählerische, ins Zentrum seiner Arbeiten zu stellen, andererseits aber auch die Unterschiede zu anderen erzählerischen Medien wie Literatur und Film auszuloten. In diesem Zusammenhang lässt sich auch das Theater anführen, zu dem Crewdsons inszenierte Fotografien deutliche Bezüge aufweisen.

Wie bereits dargelegt, zeigt die Fotografie eine stark verdichtete Szenerie, die sich emotional lesen lässt. Sie vermittelt bestimmte Zustände und Stimmungen, die vielfältige assoziative Deutungen zulassen und dazu anregen, ein mögliches „Vorher“ und „Nachher“ zu imaginieren. Mit Film und Theater verbindet die Fotografie vor allem die präzise Inszenierung der Räume und Personen. Gleiches gilt für die ausgefeilte Beleuchtung, die an ein Filmset oder eine Theaterbühne erinnert.

Andere erzählerische Medien besitzen jedoch Möglichkeiten, die der Einzelfotografie nicht zur Verfügung stehen. Eine literarische Erzählung oder ein Film kann zeitliche Abläufe, längere Zeitspannen und Kontinuen darstellen. Crewdsons Fotografie muss auf diese Möglichkeiten verzichten. Dennoch wird auch hier eine zeitliche Dimension angedeutet, beispielsweise durch das historisierende Mobiliar sowie das Ritual des Sonntagsbratens, das vermutlich bereits viele Male in ähnlicher Form zelebriert wurde und dadurch auf eine Vergangenheit verweist.

Eine Geschichte oder ein Film kann zudem Beziehungen und Handlungen aus unterschiedlichen Perspektiven zeigen und im zeitlichen Verlauf weiterentwickeln. Die vorliegende Fotografie ist hingegen auf einen einzigen Augenblick und eine festgelegte Perspektive beschränkt. Durch die präzise Komposition sowie die bewusste Zuspitzung der einzelnen Gestaltungsmittel entsteht dennoch ein verdichteter Beziehungsraum, der zahlreiche mögliche Geschichten in sich trägt.

Auch die Wirkung eines filmischen Einzelbildes ergibt sich stets aus dem Zusammenhang des gesamten Films: Es wird durch vorausgehende und nachfolgende Bilder ergänzt, aufgegriffen, überlagert oder durch den Schnitt in neue Zusammenhänge gestellt. Bei Crewdson hingegen steht die Einzelfotografie für sich. Ihr allein kommt die Aufgabe zu, eine mögliche Erzählung anzudeuten – ohne sie vollständig auszuformulieren.

Bezüge und Zusammenhänge:

Im Folgenden wird eine künstlerische Arbeit vorgestellt, in der „Licht“ eine zentrale Rolle spielt:

Das Freisinger Diözesanmuseum zeigt seit 2021 einen von James Turrell konzipierten Raum mit dem Titel „A Chapel for Luke“. Der Name verweist auf eine der Hauptattraktionen des Museums, das Freisinger Lukasbild, das sich auf einer Achse mit Turrells Kunstwerk befindet. Als Ort für seine Installation wählte der Künstler die Hauskapelle des ehemaligen Freisinger Knabenseminars. Diese liegt im ersten Zwischengeschoss, in einem der beiden zentralen Zwischenräume der Treppenaufgänge.

Turrells Installation lädt durch ihre überwältigende und faszinierende Wirkung unmittelbar zum Verweilen ein. Farbiges Licht von diffuser Ausprägung lässt den Raum von innen heraus erstrahlen und bildet einen deutlichen Kontrast zur ansonsten weiß gefassten Architektur. Langsam und kaum wahrnehmbar verändern sich die Lichtfarben: Mal konturieren sie die Grenzen des rund 7 × 7 m großen Raumes, mal scheinen sie diese aufzulösen. Zeitweise verlieren die Besucherinnen und Besucher dadurch sogar ihr Gefühl für räumliche Tiefe.

Mit dieser Arbeit setzt Turrell seine „Ganzfeld“-Serie fort, die sich auf ein meteorologisches Phänomen bezieht, wie es etwa bei Nebel oder auf ausgedehnten Schneeflächen auftreten kann. Die teilweise an Kreisformen gebundenen Farbübergänge beeindrucken dabei durch ihre besondere Intensität. Es entsteht ein geradezu „außerirdisches“ Lichterlebnis, bei dem man als Besucherin oder Besucher das Gefühl gewinnen kann, das farbige Licht regelrecht zu „trinken“ und sich an Licht und Farbe zu berauschen. Durch den zeitweisen Verlust der räumlichen Orientierung eröffnet sich zugleich die Möglichkeit, den Blick nach innen zu richten. Die beruhigende und entschleunigende Wirkung kann den Museumsbesuch so zu einer beinahe meditativen Erfahrung werden lassen.

Turrells künstlerisches Schaffen ist in besonderem Maße vom Thema „Licht“ geprägt. Dies lässt sich auch mit einer Erfahrung aus seiner Kindheit in Verbindung bringen: Seine Großmutter soll ihm nahegelegt haben, während langer Gottesdienste nach dem „inneren Licht“ zu suchen. In seinen Arbeiten spürt Turrell dem Licht auf unterschiedliche Weise nach – er inszeniert es, macht es unmittelbar erfahrbar oder lässt es in der Wahrnehmung der Betrachtenden entstehen. Dies zeigt sich etwa auch in seinem Großprojekt „Roden Crater“.

Vor diesem Hintergrund erhält auch die Verbindung zum Freisinger Lukasbild eine besondere Bedeutung: Ist es dort der heilige Lukas, der aus einer inneren Erleuchtung heraus die Madonna malt, so werden bei Turrell die Besucherinnen und Besucher selbst zu „Erleuchteten“. Sie betrachten den Raum der Erleuchtung nicht nur von außen, sondern können ihn unmittelbar betreten und mit allen Sinnen erfahren.